Diese frechen Statuetten waren Teil von Edo-Era Japans Antwort auf Taschen

Kunstvolle Netsuke waren praktische Statussymbole.

Das Japan des 16. Jahrhunderts hatte ein Kleiderschrankproblem. Bürger jeder Klasse trugen Kimonos, T-förmige Roben, die um den Körper gewickelt und mit Schärpen, den so genannten Obis, an Ort und Stelle gehalten wurden. Kimonos sind funktional und elegant, aber es fehlt ein entscheidendes Element, das für den Alltag hilfreich ist: die Taschen. Die Menschen mussten immer Dinge tragen, und das mittelalterliche Japan war keine Ausnahme. Die praktische Lösung für dieses Schneiderproblem entwickelte sich zu einer der markantesten und kleinsten Kunstformen in einem für sie bekannten Land.

Netsuke waren von Anfang an ein Gentleman-Spiel. Japanische Frauen machten es, indem sie kleine Gegenstände in ihre weiten, vernähten Ärmel steckten und eine Art provisorischen Geldbeutel schufen, sagte Hollis Goodall, eine japanische Kunstkuratorin am Los Angeles County Museum of Art. Aber Männer hatten mit ihren offenen, nicht genähten Ärmeln kein Glück. Um kleine Gegenstände wie Tabak oder Medizin zu transportieren, fertigten sie im Allgemeinen „hängende Dinge“ an, die an einer Schnur an einem Obi aufgehängt waren. Sie funktionierten wie abnehmbare Außentaschen oder winzige Geldbörsen, und um sie in Position zu halten, befestigten Männer kleine geschnitzte Ornamente, Netsuke, am losen Ende der Schnur. Die Totems dienten als Gegengewichte, die die Taschen zwischen Taille und Hüfte des Trägers festhielten. "Es ist wie ein Anhänger oder ein Knebel, ein riesiger Knopf", sagt Robert Mintz, stellvertretender Direktor des Asian Art Museum in San Francisco und Wissenschaftler für japanische Kunst. „Sie stecken den riesigen Knopf unter Ihren Gürtel und verhindern, dass Ihr schwebender Gegenstand herunterfällt.“

Die ersten Netsuke wurden im 16. Jahrhundert in der japanischen Muromachi-Zeit beobachtet und waren einfache, natürliche Briefbeschwerer, häufig ein Stück Holz oder ein getrockneter Kürbis, schrieb die japanische Netsuke-Expertin Barba Teri Okada in einer Ausgabe von 1980. Schließlich könnte jedes kleine Objekt funktionieren. Die einzige Voraussetzung war, dass der Gegenstand einen Platz zum Einfädeln einer Kordel hat und rundum glatt ist, damit er nicht an der zarten Seide eines Kimonos hängen bleibt. Die künstlerischen Möglichkeiten der Ornamente waren jedoch unbegrenzt, und die sich entwickelnden sozialen Strukturen Japans veranlassten die Künstler, diese alltäglichen Gegenstände mit einer völlig neuen Klasse von Handwerkskunst zu verwandeln.

Die ersten, die Netsuke trugen, waren Krieger oder zumindest Männer aus der Kriegerklasse. Als der Shogun Tokugawa Ieyasu 1603 an die Macht kam, führte er einen strengen neokonfuzianischen Code ein, der die Gesellschaft in vier verschiedene Klassen aufteilte, schreibt Okada. An der Spitze standen Krieger, gefolgt von Bauern, Handwerkern und schließlich bescheidenen Kaufleuten. Der Shogun erließ Gesetze, um scheinbar jeden Aspekt des täglichen Lebens zu regeln, einschließlich kostspieliger Gesetze, die vorschrieben, wie sich die Menschen zu kleiden hatten, schrieb der japanische Kunstwissenschaftler Terry Satsuki Milhaupt für eine Netsuke-Ausstellung, die sie im Metropolitan Museum of Art kuratierte. Als Angehörige der höchsten Klasse durften Samurai beispielsweise zwei Schwerter als Symbole ihres Ranges tragen. Aber Japan befand sich inmitten einer mehr als 300-jährigen Friedensperiode, und die Samurai begannen bald, ihr Geld woanders auszugeben. Sie fingen an, ausgefallene Pillendosen zu tragen, die, wie jedes hängende Ding, ein Gegengewicht und einen Anker erforderten.

Aber im 17. Jahrhundert wechselte Netsuke von funktionalen Artikeln zu Must-Have-Accessoires, als sie Teil einer weit verbreiteten Sucht wurden. Die Portugiesen hatten gerade Tabak nach Japan gebracht, und das Pfeifenrauchen wurde zu einem neuen Rausch. Viele japanische Männer hatten zu jeder Zeit Tabak und ein Feuerzeug bei sich, was die Nachfrage nach noch mehr Netsuke beflügelt, schreibt Okada. Die Gegenstände seien auch zu Statussymbolen für eine aufstrebende Kaufmannsklasse geworden, die Reichtum zur Schau stellen wolle, ohne die kostspieligen Gesetze zu brechen, schreibt Milhaupt. Obwohl der Shogun 1609 ein Verbot des Tabakkonsums erließ, wurde das Gesetz 1716 in der Hoffnung aufgehoben, dass die Tabakproduktion zur Belebung der Wirtschaft beitragen würde. Es tat

Das Netsuke-Schnitzen war aus einem Hobby traditioneller Künstler wie Maskenschnitzern oder Bildhauern zu einer eigenen Form herangewachsen. Die Künstler spezialisierten sich auf Netsuke und entwickelten ihre eigenen Schulen und Stile. In der Präfektur Shimane haben Schnitzer der frühen und berühmten Iwami-Schule nie zweimal dieselbe Netsuke hergestellt. Netsuke entwickelte sich als Kunstform zu einem politischen und sozialen Kommentar, der den wachsamen Augen der Regierung zu entgehen schien. Die Handwerker begannen, Objekte zu schnitzen, die die Führung verspotteten oder subversive religiöse Gedanken und Gefühle ausdrückten, schreibt Okada. Einige tauchten sogar in den Ribald ein, der so klein war, dass ein groteskes oder erotisches Thema laut Milhaupt von einer vorübergehenden Tokugawa-Militärbehörde unbemerkt blieb.

Aber Netsuke gab es in vielen Formen, schreibt Okada. Am verbreitetsten waren die kleinen Skulpturen, die als dreidimensional geschnitzte Netsuke-Figuren bekannt waren. Es gab aber auch Netsuke (hohle Schmuckstücke aus Muscheln), Netsuke (Scheiben, die so kompliziert geschnitzt waren, dass Licht hindurchtreten konnte) und Masken-Netsuke, die winzigen Theatermasken ähnelten. Bestimmte Netsuke führten aufwendige Doppelleben, vielleicht als Aschenbecher, um schwelende Asche aus einer Herrenpfeife zu fangen, oder als Kompass. Andere historische Beispiele fungierten als Pfeifen, Sonnenuhren, Abakusse, Bürstenhalter und sogar Glühwürmchenkäfige. Es gab sogar Trick-Netsuke, die aus alltäglichen beweglichen Teilen gefertigt waren, die sich öffnen ließen, um eine Überraschung zu enthüllen, wie zum Beispiel eine winzige Göttin, die sich zwischen zwei Hälften einer Nuss schmiegt.

Laut Okada handelte es sich bei dem häufigsten Netsuke um Figuren aus der japanischen und chinesischen Legende, wie den (Löwenhund) oder die Tierkreiskreaturen. Menschlich geformte Netsuke waren selten Helden, sondern Figuren aus Folklore- oder Kabuki-Darstellern, die weitaus weniger detailliert wiedergegeben werden konnten, aber weiterhin erkennbar waren. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts begann Netsuke, Szenen aus dem Alltagsleben zu reflektieren, zum Beispiel gewöhnliche Städter, die ihre täglichen Aufgaben erledigten.

Die am meisten Status gewährenden Schnitzereien wurden aus Materialien hergestellt, die als selten gelten. Während viele aus Elfenbein geschnitzt waren, experimentierten Künstler auch mit Holz, Bernstein, Antilopenhorn, Kaki, Buchsbaum, Narwalzahn, Eberzahn, Hornvogelschnabel und vielen anderen Medien, schrieb die Kunstsammlerin Anne Hull Grundy in Netsuke Carvers der Iwami School.

Als Netsuke auffälliger und komplizierter wurde, reichte es nicht mehr aus, nur ein einziges ausgefallenes Beispiel zu haben. Die auffälligen und stylischen Männer trugen anfänglich saisonabhängige Netsuke, und es war höchst unmodern, einen zur falschen Jahreszeit zu tragen. "Wenn jemand eine Chrysantheme trägt und es kein Herbstmonat ist, würden Sie sagen, 'Oof, warum trägt er eine Chrysantheme?'", Sagt Mintz.

Das goldene Zeitalter der Netsuke-Kunst begann zu Beginn des 19. Jahrhunderts, so das zeitgenössische Netsuke von Miriam Kinsey. Professionelle Schnitzer waren in den großen Städten zahlreich vertreten, und um ihre Fähigkeiten unter Beweis zu stellen, könnten wahre Meister ganze Gedichte auf den Boden der Figuren prägen, die nur mit einer Lupe gelesen werden konnten. Als bestimmte Schnitzer berühmt wurden, sagt Mintz, könnten hinterhältige, weniger versierte Schnitzer den Namen eines Großen für ihre eigenen minderwertigen Kreationen schmieden. „Es gibt einige berühmte Schnitzer, deren Namen auch nach ihrem Tod immer wieder verwendet wurden, weil sie beliebt und berühmt waren“, sagt er. "Aber die rohen sind immer noch sehr charmant."

Wenn der Anstieg der Popularität von Netsuke immer mit dem Tabak verbunden war, war dies auch der Fall. Als Commodore Perry 1853 an japanischen Ufern landete, sei der Außenhandel zum ersten Mal seit über zwei Jahrhunderten wieder eröffnet worden, schreibt Okada. Japanische Männer zogen sich westliche Kleidung an - Stile, die bekanntermaßen mit Taschen gefüllt waren - und ersetzten Pfeifen mit kleinen Schüsseln durch Zigaretten, sodass kein Tabakbeutel mehr benötigt wurde.

Netsuke verschwand als Funktionsgegenstand und Statussymbol, fand aber ein zweites Leben als Sammlerstück. Menschen aus den USA und Europa wurden von den komplizierten Miniaturen fasziniert und begannen, sie zu erwerben, schreibt Kinsey. Diese Leidenschaft hält bis heute an, mit einer Subkultur im Sammeln ähnlich dem Sammlermarkt für japanische Schwerter oder Schnupftabakflaschen. Im 21. Jahrhundert ist die Kunst des Netsuke noch lange nicht in Vergessenheit geraten. Heutzutage meiden viele Netsuke-Künstler Elfenbein, gemäß den internationalen Verboten für den Handel mit afrikanischem Elefantenelfenbein, gemäß National Geographic. Diese modernen Netsuke-Hersteller entscheiden sich stattdessen für den Kunststoff Elforyn oder nachhaltige Naturmaterialien wie Holz, Hirschgeweih, Metall und Stein.

Die 1975 gegründete International Netsuke Society gibt vierteljährlich ein Journal heraus, in dem wichtige Netsuke-Künstler vorgestellt werden, von denen viele aus dem Ausland stammen, und Workshops, die der Öffentlichkeit zugänglich sind. Wie Kimonos werden auch heute noch Netsuke getragen, obwohl dies normalerweise nicht die Vintage-Exemplare sind, die in den Kabinetten von Museen und engagierten Sammlern als unverwechselbare nationale Kunstform leben. „Wenn Sie an die typische italienische Kunst denken, stellen Sie sich Fresken oder Ölgemälde vor, während das Symbol Japans diese kleine, alberne Skulptur ist“, sagt Mintz. "Ich finde das erstaunlich."

Das Kyoto Seishu Netsuke Art Museum ist das einzige Museum der Welt, das sich diesen winzigen Schätzen widmet. Es befindet sich in einer wunderschön restaurierten zweistöckigen Samurai-Residenz und ist auf zeitgenössische Arbeiten spezialisiert. Es zeigt etwa 400 Figuren gleichzeitig, vom Fliegerpinguinküken bis zum verliebten Biber. Während das Museum die kompliziertesten Beispiele unter Lupen zeigt, würde es nicht schaden, eigene mitzubringen.